Performance-Kunst ist eine darstellende Kunst, die im Kontext der bildenden Kunst traditionell interdisziplinär ist. Die Aufführung kann vorbereitet oder improvisiert, spontan oder geplant, mit oder ohne Publikum erfolgen. Es kann live oder über Medien (Internet-Streaming, Videokunst) durchgeführt werden; Der Darsteller kann anwesend sein oder nicht. Es kann jede Situation umfassen, die Zeit, Ort, den Körper des Darstellers oder die Präsenz in einem bestimmten Medium betrifft, sowie die Beziehung zwischen dem Darsteller und dem Publikum. Performance-Kunst kann überall, in jedem Raum und zu jeder Zeit aufgeführt werden. Eine spezifische Aktion einer Einzelperson oder einer Gruppe in einem bestimmten Raum und einer bestimmten Zeit bildet die Grundlage für das Werk.
Wir müssen zwischen dem Konzept der Performance-Kunst (oder Art of Performance) und den darstellenden Künsten unterscheiden. In jüngster Zeit wird der Begriff „Performance“ verwendet, um sich auf bestimmte Live-Events (wie Theateraufführungen, Konzerte usw.) und sogar auf die Leistung bestimmter Maschinen, insbesondere von Automobilen, zu beziehen. Daher betonen Performancekünstler den Begriff „Performance Art“, um ihn von diesen beiden Konzepten abzugrenzen.
Nach dem Zweiten Weltkrieg entwickelte sich die Performance-Kunst in Amerika, Europa und Japan gleichermaßen rasch. Künstler, die den Körper als Gestaltungsmaterial in der bildenden Kunst nutzten, äußerten immer wieder ihr Ziel, die künstlerische Praxis lebendiger zu machen und den experimentellen Charakter ihrer Arbeit zu steigern. Ihre kraftvollen Aussagen, die den Körper sowohl als Form als auch als Inhalt verwendeten, stellten die Vorrangigkeit des menschlichen Subjekts gegenüber dem Objekt in Frage. Durch die Betonung des Körpers als Kunst unterstreichen die Darsteller die Bedeutung des Prozesses gegenüber dem Produkt und erheben sich über das repräsentative Objekt zu einem Modell der Aktionspräsentation, das die formalen Grenzen traditioneller bildender Kunst (Malerei und Skulptur) in Echtzeit und Bewegung erweitert Raum. Durch die Loslösung der Kunst von formalen Konzepten und der Konformität traditioneller Formen veränderte sich die Beziehung zwischen Künstlern und ihrem Publikum und stellte die Verbindung zwischen Kunst und den materiellen Bedingungen gesellschaftlicher und politischer Ereignisse wieder her.
Sicherlich lassen sich die Ursprünge der Performance-Kunst auf die Aufführungen der modernistischen Avantgarde zurückführen, von Futuristen bis Dadaisten, über verschiedene russische Avantgarde-Bewegungen, Bauhaus und Surrealisten. Obwohl viele zeitgenössische Künstler glauben, dass es Performance-Kunst seit der Antike gibt, erwähnen sie verschiedene Volksgeschichtenerzähler mit besonderem Schwerpunkt auf der philosophischen Praxis von Diogenes (viele betrachten ihn als den alten Vater der Performance-Kunst). Schon Kafka erwähnt in seinem Werk „Der Hungerkünstler“ eine Praxis aus dem 19. Jahrhundert, die auf die offensichtliche Präsenz dieser Kunst schon damals schließen lässt.
Viele verbinden Performancekunst mit Konzeptkunst aufgrund ihrer Grundform und ihrer Verbindung mit dem Kontext der Konzeptkunst. Aufführung ist kein Theater; Stattdessen konzentriert es sich auf die Realität und stellt keine erfundenen Handlungen und Charaktere dar, obwohl seine Aufführung narrativ sein und somit einem Theater ähneln kann. Oftmals fordern Performancekünstler das Publikum dazu auf, über alle Normen hinauszudenken, indem sie die Frage stellen: „Was ist Kunst?“ Solange der Darsteller nicht zum Schauspieler wird, der Charaktere und Handlungen von einer Aufführung zur nächsten wiederholt, kann die Aufführung selbst Elemente aus Satire, Drama, Erzählung, Zirkus, Spielen, Musik und mehr enthalten. Damit löst sich die Performance-Kunst heute von der bildenden Kunst und wird zu einer eigenständigen intermedialen Kunst.
Viele Künstler haben in der Vergangenheit unterschiedliche Begriffe wie „Live Art“, Aktionismus, künstlerische Intervention und Manöver verwendet, um ihre Auftritte zu beschreiben. Als Unterkategorien der Performancekunst gibt es Body Art, Fluxus Performance, Happening, Action Poetry und Intermedia. Als generisches Produkt, das aus der Kombination von Performance, Kunstspielen und Philosophie in Japan entstand, entstand die Kunst des Butoh, die sich seit den 1990er Jahren in Europa und der westlichen Welt weiter verbreitete.
Die Wurzeln der Performance-Kunst liegen in alten Ritualen der Stammesgemeinschaften und ihrer Schamanen, die die ersten Künstler darstellten und die Natur, das Leben und die Magie unterwarfen. Später, im antiken Griechenland, praktizierten die Zyniker, Philosophen, unter denen Diogenes besonders wichtig ist und bereits erwähnt wurde, eine Form der darstellenden Kunst. Diogenes praktizierte im antiken Griechenland im Wesentlichen eine Form der Performance-Kunst und nahm den Beinamen „Zyniker“ an, was übersetzt „Hund“ bedeutet, weil Diogenes sich in seinen Performances ständig wie ein Hund benahm. Es ist beispielsweise bekannt, dass Diogenes tagsüber mit einer Laterne spazieren ging und auf die Frage, was er tat, antwortete, dass er nach einem Menschen suche.
Darüber hinaus lassen sich die Wurzeln der Performance-Kunst auch bei mittelalterlichen Dichtern, Minnesängern, Troubadours und Narren an den damaligen europäischen Höfen sowie auf den Bällen und Maskeraden der Renaissance beobachten. Das zeitgenössische Konzept der Performance-Kunst wird jedoch häufiger mit den Avantgarde-Kunstbewegungen des 20. Jahrhunderts wie Futurismus, Dadaismus, Konstruktivismus, Surrealismus und Bauhaus in Verbindung gebracht. Um alles Moderne zu feiern, entwickelten futuristische Künstler neue Kunstformen und von Künstlern geleitete Veranstaltungen, darunter sich wiederholende Aktionen, Vorträge, Manifeste, Massendemonstrationen und künstlerische Live-TABLEAUX, um die Dynamik des modernen Lebens auszudrücken. Künstler ließen sich von verschiedenen Formen der Unterhaltung inspirieren, beispielsweise von beliebten Unterhaltungsformaten wie der Varieté-Show (im Westen als Vaudeville bekannt, während in einigen Regionen, einschließlich Ihrer, der Begriff „Estrada“ verwendet wird, obwohl er heute eine andere Konnotation hat), Zirkus, Kabarett und Oper. Die Rolle des Publikums bei der Aufführung war entscheidend, da die Improvisation oft unvorhersehbar, unerwartet und sogar chaotisch war. Es wurde von Malern, Dichtern, Schauspielern, Architekten, Kritikern und Philosophen aufgeführt, oft begleitet von Diskussionen und Debatten, um neue und vielfältige soziale Ideen zu verbreiten.
Der Dadaismus erlebte bedeutende Auftritte mit unkonventionellen Gedichtdarbietungen, oft im Cabaret Voltaire, von Persönlichkeiten wie Richard Huelsenbeck und Tristan Tzara. Russische Futuristen gelten als Vorläufer der Performance-Kunst, mit namhaften Persönlichkeiten wie David Burliuk sowie Aleksander Rodchenko und seiner Frau Varvara Stepanova. In den 1940er und 1950er Jahren entstand in den Vereinigten Staaten eine Form der visuellen Performance-Kunst namens Action Painting, die der Fluxus-Bewegung, den Happenings und letztendlich der Entstehung der Performance-Kunst, wie wir sie heute kennen, vorausging.
In den 1960er Jahren entstand durch das Erscheinen neuer Werke, die verschiedene Formen, Konzepte und eine große Anzahl von Künstlern umfassten, eine neue Form der Performancekunst. Zu den Prototypen von Künstlern, die explizit den Begriff „Performance Art“ verwendeten, zählen Werke und Künstler wie Yoko Ono, Carolee Schneemann, Wolf Vostell, Joseph Beuys, Yayoi Kusama und Allan Kaprow mit seinen Happenings. Hermann Nitsch legte mit seinem Werk „Theater der Orgien und Mysterien“ den Grundstein für die spätere Performance-Kunst. Andy Warhol präsentierte 1966 zusätzlich zu seiner Arbeit in Film und Video die Performance „Exploding Plastic Inevitable“, die einen Einfluss auf die damalige Populärkultur hatte. Die Auftritte von Künstlern nach 1968 spiegelten die Einflüsse der kulturellen und politischen Ereignisse dieses Jahres wider. In dieser Zeit konzentrierte sich die Performance-Kunst zunehmend auf den Körper, was zu Pionieren der Körperkunst innerhalb der Performance führte.
Das Jahrzehnt der 1970er Jahre stellt vielleicht die bedeutendste Periode in der Entwicklung dieser Kunstform dar. In dieser Zeit präsentierten Künstler Auftritte in strenger Form. Chris Burden und Vito Acconci stellten einen neuen radikalen Ansatz vor. Neue Medien wie Video wurden in die Performancekunst integriert. Gilbert und George, ein britisches Performance-Art-Duo, führten eine neue Form in der Performance-Kunst ein, die als „lebende Statuen“ bekannt ist. In osteuropäischen Städten wie Budapest, Krakau, Belgrad, Zagreb und Novi Sad begann die Performance-Kunst zu florieren und löste eine neue Welle dieser bis heute einflussreichen Kunstform aus. In den späteren Jahrzehnten, den 1980er und 1990er Jahren, wurden in der Aufführung zunehmend elektronische Musik, neue Medien, Fernsehen, Computertechnologie und Digitalisierung einbezogen, wobei viele traditionelle Formen beibehalten wurden.
In den 2000er Jahren gewann die Performance-Kunst schließlich an Popularität, vor allem dank der serbischen Performance-Künstlerin Marina Abramović. Im Jahr 2010 führte Marina Abramović ein dreimonatiges Stück im Museum of Modern Art in New York City auf. Zwölf Stunden am Tag saß sie auf einem Stuhl und nahm Blickkontakt mit den Besuchern auf, die ihr abwechselnd gegenüber saßen. Diese erweiterte Performance warf zahlreiche Fragen auf und öffnete der Performancekunst viele Türen.
Heutzutage umfasst Performance-Kunst verschiedene Einflüsse und ist schwer zu definieren. Neue Subgenres entstehen, neue Medien entstehen und Performance-Kunst beeinflusst zunehmend die Populärkultur. Viele bekannte Musiker integrieren Elemente der Performance-Kunst in ihre Musikvideos. Lady Gaga beispielsweise lässt sich in ihren Performances und Musikvideos von den Werken bekannter Performance-Künstler inspirieren. Performance-Kunst beeinflusst Kommerzialisierung und Werbung, prägt aber auch eine neue Lebensphilosophie.
Zu den bedeutendsten Subgenres zählen konzeptuelle Performance, Action Painting, Slam Poetry, Hörspiel, Happening, Fluxus, Body Art, Langzeitperformance, Guerilla Theater, lebende Statuen und in den letzten Jahren auch Flash Mobs, Kombinationen mit Videokunst und digitaler Animation , digitale Plattformen sowie eine Rückkehr zu den Ursprüngen durch Pararitual, Butoh und verschiedene gemischte Medien.
Performance-Kunst strebt danach, sich als Kunstform der Gegenwart und Zukunft zu entwickeln und an Popularität zu gewinnen und eine neue Ordnung für zukünftige Generationen zu schaffen.